Как научиться рисовать в гиперреализме
Гиперреализм в рисунке
Но почему гиперреалистичные картины вызывают столько споров и порой возмущений со стороны не только обывателей, но и самих художников? Некоторые даже очень резко отзываются об этом стиле рисования, называя художников-гиперреалистов просто «копировальными машинами», которые бездушно переносят фотографию на холст/бумагу теми или иными способами и инструментами.
Почему порой возникают такие отзывы? Причин несколько. Как мне кажется, вот основные из них:
Этот список можно было бы продолжать, исследуя различные форумы и сайты, на которых произрастают споры по поводу этого довольно нового стиля рисования. Но лучше всего вначале попробовать все на собственной шкуре, иначе критика не будет иметь никакого смысла. 🙂
Не долго думая, я взял первую попавшуюся интересную мне картинку в интернете:
Упаковку карандашей Faber-Castel (обычных, не акварельных), листок бумаги маленького формата (примерно 10х15) и большое количество терпения 🙂
Глазомер у меня развит не настолько сильно, как у некоторых художников-гиперреалистов, но я все же нарисовал набросок от руки на глаз (чтобы все было по честному :-)) и вошел в режим человека-принтера, начав закрашивать фон сверху слева картинки.
Первое, что нужно отметить, это желание начать штриховать, поскорее закрасив фон. Но всегда останавливаешь этот порыв, чтобы сделать фон как можно ровнее, чтобы штрихи были почти не видны. При этом желательно выполнять не прямые короткие штрихи, а круговые (овальные), которые позволяют ровнее закрасить фон, не оставляя резких линий. На фон я положил 4-5 слоев разных цветов, поверх пройдя желтым цветом. На гладкой бумаге желтый цвет немного сгладил штрихи, которые у меня все равно образовались, хотя я и старался не спешить.
Далее приступил к цветку и божьей коровке. Главное здесь обращать внимание на маленькие участки. Т.е. в область вашего внимания должна попадать узкая часть картинки, на которой проще всего определить, какой цвет в этой части присутствует. Некоторые художники для этого даже изготавливают специальную рамку с вырезанным в середине маленьким кругом или квадратом, который прикладывается к нужному участку и изолированно определяется, какой оттенок цвета на этом участке присутствует.
Следующим этапом поработал над насекомым, выделив блики на крыльях божьей коровки.
Ну и в заключении дорисовал фон. Тут пришлось положить более 5 слоев разных оттенков, от чего поверхность бумаги стала очень гладкой и блестящей.
На эту небольшую картинку я потратил несколько часов. Хотя признаюсь, не вкладывался в нее полностью и постоянно спешил перейти на стандартные прямые штрихи. Иногда действительно впадаешь в некий процесс медитации, но очень быстро выходишь из него, т.к. нужно контролировать мелкие детали, что все делаешь так, как показано на фото. Результат получился не идеален, но думаю, спустя несколько таких рисунков, процесс можно улучшить. Главное, чтобы на него было время.
Но какие положительные отзывы со стороны обывателей мы можем увидеть в интернете? — Вау! Пока не прочитал, думал, что это фотография! — Нереально красиво, разве можно такое сделать карандашами! И тд.
Т.е. отзывы только о технической составляющей картины. Ни о смысле, ни об эмоциях, которые несет картина, лишь о том, как это возможно с технической стороны, и эффекте, который несет в себе осознание того, что это не фотография.
Плохо это или хорошо, решать каждому читателю. Моя точка зрения такова, что если рисуют такие картины, значит это кому то нужно, значит в наше время на это есть спрос. Просто это один из стилей в живописи и рисунке, который удовлетворяет потребности определенной категории людей, и который также имеет право на жизнь.
Но как быть тем, кого затянуло, у кого уже выработалась привычка рисовать только по фотографии и даже появилась некоторая боязнь рисования с натуры или из воображения, но изнутри лезет желание делать что-то большее? Как бороться с привычкой рисования по фотографии и растить в себе полноценного художника? Мне видится сразу несколько путей:
1) Например, вы нарисовали гиперреалистичную картину какого либо объекта по фотографии. Теперь попробуйте:
Понятное дело, что это довольно сложный путь, который не каждый хочет идти, но как мне кажется, он и ведет нас к развитию творчества во всей нашей жизни, а не только в рисовании! Ведь радость от результата создания чего-то нового в разы выше, чем от обычной рутинной работы!
Так стоит ли заострять внимание на таком стиле рисования, как гиперреализм? Я считаю, что стоит! Хотя бы раз попробовать свои силы в этом направлении, дабы понять, а насколько в техническом плане вы способны показать результат? Ведь представьте на секундочку, что у вас родилась идея, вы воплотили ее на бумаге и исполнили технически в стиле гиперреализма! Это будет означать, что вы на порядок выросли как Художник, который изобилует не только творческими идеями, стилями исполнения и тд., но и продвинут как Мастер в техническом плане! Конечно, это все может стать огромным стимулом для художников, практикующих в стиле реализма.
Искренне желаю вам успехов! Оставляйте ваши комментарии ниже о том, что вы думаете по поводу рисования в стиле гиперреализма.
Похожие записи
Вадим
Свободный художник. Основная специализация — графика простыми и цветными карандашами, а также сухой пастелью.
14 комментариев в статье “ Гиперреализм в рисунке ”
Опыт интересный, конечно, Вадим!
Но точно знаю, что мне трудно было бы выполнить данную задачу, добавила бы «отсебятины». :))
Понимаю 🙂 «Отсебятина» как раз и растит в нас индивидуальность и разнообразие идей!
Спасибо за статью! А у меня этот рисунок сразу вызвал не только восхищение техникой, но и положительные эмоции — очень миленькая божья коровка! Сразу подумалось что художник а затем, когда я поняла, что есть и автор фото — любят это чудесное создание, милейшее насекомое и именно на нем сделан акцент-на насекомом, на его позе, а не на цветке ромашки. Просто я, например, обожаю макросъёмку, особенно необычных мелких деталей, насекомых, предметов и такие вещи реально вызывают эмоции и мне очень близки. Иногда хочется передать что-то большее, но с помощью макрофотографии действительно не всегда это удаётся, так что надо переходить к рисованию со своих фото!))
Статья нормальная, но не правдивая. Любой художник, который выставляет свою кривую «мазню» на выставках обязан уметь рисовать портреты в стиле реализм. Если у него этого умения нет — то все его картины с «уникальным» видением и гроша ломанного не стоят. А что на деле оказывается? Вы видели какие убогие портреты рисовали «знаменитые» известные художники?
Я вас удивлю, есть послойные техники — когда после эскиза поочередно наносятся слои разной мягкости за счет чего и проявляется глубина. Именно здесь проявляется способность художника «видеть» света ( это не ошибка в слове «цвета») на объекте.
Дмитрий, позволю себе с Вами не согласится)
Любой художник никому ничего не обязан, если только не связан рамками заключенного контракта. При этом о стоимости «мазни» художника я не могу так уверенно судить, т.к. для одного человека одна картина может быть бесценной, в то время как для другого будет считаться мусором.
А что касается статьи — ее смысл вовсе не в раскрытии какой-либо техники. Смысл в том, что копирование фоток — настолько маленькая часть искусства рисования, что на мой взгляд, не стоит того, чтобы увлекаться только ей, если художник желает расти как художник. Смысл в том, что наглядно показано как копирование не представляет какой-либо сложности, если вы уже развили глазомер и усидчивость (при этом обратите внимание, ни слова о требованиях к послойной технике, т.к. без хорошего глазомера, усидчивости и кучи времени вы вряд ли, даже владея всеми известными в мире послойными техниками, выполните добротную копию с фото от руки). НО также и верно обратное, что копирование отлично развивает глазомер, усидчивость и терпение. И при этом техника гиперреализма может применяться как в копировании, так и в более серьезных самостоятельных работах, где требуются знания построения рисунка, перспективы, света и тени итд. Я уже неоднократно писал об этом на страницах блога.
Вадим, если смотреть на это с этой стороны, то не существует разницы в работах «по фото» или «из ума».
И это очень легко доказать, я думаю если каждый подумает об этом, то придет к такому выводу.
Когда мы рисуем «из ума» опираясь на «набитую руку» ( в данном случае я имею ввиду опыт рисования с разных ракурсов частей тела/лица / прочих форм и объектов с разным освещением), то всего-лишь воспроизводим один из ранее нарисованных и запомненных нами вариантов того, как должен лежать свет и в каких пропорциях должны быть элементы ( если про портрет говорить) объекта. При этом » знание анатомии» это всего-лишь предпосылка к большому кол-ву нарисованных ранее вариантов. Поэтому если такой художник будет рисовать любое полотно в стиле «реализм» ( где пропорции человека сохраняются), то он будет срисовывать с фото из своей головы. Именно поэтому разницы никакой нет. Прежде чем возражать мне, подумайте над последним предложением.
Когда мы рисуем на ходу с подачи воображения и вдохновения, мы всего-лишь срисовываем с «фото» в своем разуме, которое у нас уже сложилось. если оно включает человека в какой-то позе, то у классического художника все эти позы уже сотни раз вызубрены и отрисованы.
Разницы в итоге никакой нет. разница есть только в самом начале пути.
Дмитрий, благодарю за интерес к такой серьезной и в тоже время философской теме, но снова не могу с Вами согласится. На мой взгляд все мы (художники) на каком то этапе думаем об этом. С такой точкой зрения я сталкивался и продолжаю сталкиваться неоднократно. Попробую кратко пояснить, к чему в итоге привели мои собственные изыскания на эту тему. К примеру, я могу легко скопировать фотку, но мне с большим трудом удается создать иллюстрацию «из ума» того уровня, который бы мне хотелось, я чувствую колоссальную разницу между этими двумя процессами. То, о чем Вы говорите — это шаблоны, их мы накапливаем всю жизнь различными зарисовками, этюдами и тд. Вроде бы кажется — чем больше их будет в голове художника, тем реалистичнее он сможет рисовать какие-то сюжеты, выдергивая их из головы.
Но, во-первых, ни один художник, да и любой человек в принципе, за свою жизнь никогда не накопит в памяти всех существующих объектов (или к примеру поз). Взять упомянутую Вами анатомию. В ней не изучают все возможные расположения человека/животного, в ней изучают структуру объекта, основные позы, способы построения, на основе которых и происходит затем создание изображения из головы (т.е. зная способы крепления и расположения мышц, можно уже создавать свои сюжеты с определенными позами. На то, чтобы «набить руку» на всех возможных позах, даже не представляю сколько нужно времени). Копирование и построение — совершенно два разных подхода в рисунке. При построении задействуют всю базу теоретических и практических знаний и шаблонов, при копировании — нужен только глазомер (я это наглядно показывал в курсе по портрету. Для того чтобы копировать с фото, не нужно быть художником, это доступно вообще каждому).
Во-вторых, далеко не у каждого человека настолько хорошо работает зрительная память и визуализация того, что он хочет изобразить на бумаге. Довольно тяжело, даже по памяти, «скопировать» из головы какой-нибудь сложный объект (вроде лица человека), учитывая все его особенности и выполнив это в высоком качестве гиперреализма.
В-третьих, реализм и гиперреализм — это только некоторые направления в рисунке и живописи. Было бы неправильным подводить всех под одну черту и требовать от других стремления идти к этой черте, а именно только к реализму. Творчество на то и творчество, что оно делает человека свободным в его выборе. И очень здорово, что оно настолько разнообразно. На мой взгляд, нет ничего страшного в том, что художник, который рисует в своем стиле, не может нарисовать гиперреалистичную картину. Возможно это просто не его, он не получает удовольствия/драйва от этого, он не видит в ней идей или творческого раскрытия.
Баталии на эту тему постоянно происходят на просторах интернета, но какой в них смысл, если есть море различных стилей и столько же различных людей, каждый из которых найдет нужное себе направление.
У меня к сожалению пока не дошли руки рассказать полностью о процессе создания иллюстрации, хотя я сейчас уже на целую статью накатал). Но если кратко, то при создании рисунка из головы как правило происходит поиск и построения объекта на бумаге, причем процесс настолько отличается от срисовывания с фотки или натуры, что просто заставляет мозг взрываться. Выполнив первый набросок, я еще не знаю, что будет дальше, я продолжаю искать линиями на бумаге новые формы, строить рядом какие то новые объекты, преобразовывать их исходя из своей задумки. Например, мне дали заказ, нарисовать персонажа-мага, с определенными атрибутами вокруг него. Главное условие — чтобы маг был уникален, не похож на магов из фильмов и других рисунков. Каким образом Вы будете выполнять заказ, если перед Вами задача — создать нечто новое и уникальное? Будете вспоминать что-то похожее, что рисовали ранее, или все-таки попробуете нарисовать действительно что-то новое, чего пока еще нет в вашей голове? Например, позу вспомнили из анатомии, а всего остального нет — полезете в интернет смотреть, какая бывает одежда у магов? Тогда и маг получится скорее всего не уникальный, а похожий на один из существующих. Я на некоторых мастер-классах уже говорил — идея первична, копирование вторично. Если бы при создании рисунка мне приходилось постоянно копировать, пусть даже из головы, я бы давно забросил столь неинтересное занятие. Копирование как раз пригодится в начале пути, т.к. нужно учиться многому, в том числе правильной передаче цвета и развитию глазомера. Копирование интересно в учебных целях для тренировки подбора цвета, применения техник и выполнения рисунка на глаз. Если же художник развивается в стиле, например, абстракционизма или кубизма, то ему копирование мало чем поможет, т.к. в его творчестве главным будет — идея.
Вадим, ни в коем случае не хотел разводить спор на какую-либо тему. Захотел выразить своё мнение по поводу прочитанного из-за того, что статья показалась мне очень проявлением неуважения и пренебрежения к людям, которые рисуют в стиле гиперреализм.
Я не просто так в своих ответах писал «реализм» вместо его воплощенного абсолютизма. Сам я, на мой взгляд, рисую и зарабатываю с помощью портретов в стиле реализм. Наверное это связано с лимитом времени, которое я себе установил. Обычно на портрет формата а4 я трачу 2 часа. если я буду тратить больше — мне станет уже не очень выгодно с финансовой точки зрения. Поэтому тут я согласен с вами, всё упирается во временные трудозатраты и собственные желания.
Простите, не являюсь читателем вашего блога ( что нисколько не уменьшает моего к вам уважения как к человеку, занимающимся любимым делом!), наткнулся на эту страницу когда искал что-то по теме вашей статьи.
Хотел бы ответить на часть вашего предыдущего сообщения про иллюстрации и про уникальность.
На мой взгляд, уникальность всегда и везде возникает только в одном случае — при синтезе существующих элементов. Чтобы нарисовать уникальную одежду для волшебника, вы как минимум должны представлять что значит понятие «одежда» как таковое ( а с этим понятием у человека уже есть прочные ассоциации в физическом мире), после чего решить в каком стиле вы хотите изобразить эту саму одежду. Выбрав стиль нужно вспомнить какие варианты вы уже видели своими глазами ранее ( хотя, не только глазами, а всеми органами чувств) и объединить 2 варианта в один. Либо 3 варианта. Взяв определенную часть от каждого варианта и меняя пропорции частей элементов в этом процессе, вы каждый раз будете получать уникальные композиции.
Но и это еще не всё.
Если вас не будет удовлетворять результат, вы можете в вашу систему элементов добавить другой элемент уровня выше. например из другого стиля. Если и такие результаты вас устраивать не будут, то вам всего-лишь нужно попробовать добавить любой другой элемент в вашу систему образов. Например «звук». Как можно изобразить звук? первое что приходит мне в голову, это конус, нарезанный на тонкие окружности, разнесенные между собой расстоянием ( если сбоку смотреть на эту «звуковую волну»). Почему бы не добавить к одному из вариантов узоры или куски ткани по конусовидной траектории? а может вообще перевернуть его другим местом и посмотреть что получиться?
Возвращаясь к началу — любое новое ( от научного открытия до уникального платья) образовано из синтеза уже существующего. Вы не придумываете эти вещи, вы их вспоминаете, потому что за свою жизнь смогли впитать море информации разного формата.
—-
Что касается моего личного отношения к художникам, которые не могут нарисовать нормальный фотореалистичный портрет — не считаю их художниками как таковыми не зависимо от их технической базы и опыта. Возможно я не прав, но прежде чем рисовать мазню, ты должен сам себе доказать что твоя рука способна повторить красоту природы в её первозданном виде: мягких контурах и плавных переходах.
—
P.S. капча очень неудобная, лучше бы цифрами.
Дмитрий,
Вашу точку зрения я понимаю и когда-то имел примерно такую же. у меня складывается впечатление, что мы беседуем об одном и том же 🙂 С тем лишь отличием, что под термином копирования Вы предлагаете принять оба процесса — просто глядя на фото и когда пытаемся вспомнить какие то увиденные раньше вещи. Хотя выше сами же описали настолько сложный процесс создания рисунка (примеры со звуком и вариантами эскизов отличные!), что простой процесс копирования буквально теряется на его фоне и является лишь малой частью более сложного процесса. Возможно, если философски отнестись к этому вопросу, можно и обобщить (так и я считал когда то, что все есть копирование). Но ведь достаточно просто на практике самому убедиться, что копирование — это перенос увиденного. А создание нового — это творческий процесс, пусть порой даже и состоящий из комбинаций увиденного. Эта комбинация рождается в идее, в задумке и часто не является прямой копией уже готового изображения. Эта комбинация заставляет мозг развивать свое мышление, учит находить решения, развивать визуализацию и тд.
Простой пример сравнения копирования с фото и, как Вы называете, копирование из головы даже без каких либо комбинаций: я прекрасно скопировал ряд портретов с фотографий на бумагу. Но, хоть застрелите, я не смогу ни один из них «скопировать из головы», даже контуры и правильное расположение основных элементов, чтобы получилось похоже, не помню. В итоге получатся незнакомые люди (в случаях, если не известна анатомия, получатся кривые незнакомые люди). Надеюсь, у меня получилось донести свою точку зрения, в чем мне видится разница термина копирования из головы и с фото и почему я их так четко стал разделять для себя.
Я ввела 5 на вопрос 4 плюс 1, мне ответ был неверно? Почему??
Татьяна, Ваш ответ верный, просто первый комментарий на блоге проходит модерацию
Вадим,Вы заострили внимание на мотивации самого художника,упомянув что никаких эмоций,кроме восхищения техникой,у зрителей нет..но разьве фото не бывают красивые,выразительные,с настроением…и если это перенести в рисунке?может в гиперреализме техника восхищает больше,перетаскивая внимание на себя?ведь в так называемой мазне кроме настроения восхищать мало что может
Вадим, не знаю будет ли иметь значение мой комментарий, но возможно это будет новая точка зрения по теме. Я по природе своей ярый перфекционист! И во взгляде имеется автономный фильтр обращающий внимание на мельчайшие детали, портящие общий вид. И очень сложно найти что то, чтобы удовлетворить свой перфекционизм. Я для этой цели на ютубе нашел человека, который занимается реставрацией разных вещей, и делает это просто шедеврально!) С одной стороны эта черта дар, с другой проклятье. И принимая ее во внимание, гиперреализм для меня, это не просто ксерокопирование, это очень кропотливая работа, требующая огромного внимания, соответственно выполняя подобную ты вкладываешь огромную часть своей души! (По крайней мере это мое отношение)
И сам стиль, я бы все же попытался усовершенствовать, рисуя подобное из воображения, если это вообще возможно. Если бы конечно я вообще умел бы так рисовать. Хотелось бы научиться.
Итак, гиперреализм — это, что называется «кайф перфекциониста», а так же, пожалуй один из лучших вариантов выразить крик души, что соответственно должно несколько оживить картину.
Как научиться рисовать гиперреалистично
Содержание статьи
Жанр гиперреализм имеет богатую историю. Еще художники в XVI веке рисовали обманки прямо на стенах или дверях, подобные гиперреалистичные изображения было нелегко отличить от настоящих предметов.
Необходимые инструменты и материалы
Для рисования в жанре гиперреализм вам потребуется плотная бумага, карандаши разной твердости (можно использовать цветные карандаши), салфетки, ластик, линейка, гелевая черная ручка, а также растушевки. Все это вы можете приобрести в специальных магазинах для художников или в обычных магазинах канцтоваров. Также необходимо будет распечатать понравившуюся фотографию в черно-белых тонах.
Гипперреализм: техника
Существуют специальные приемы, помогающие добиться столь впечатляющего эффекта. Для начала подготовьте фотографию. На нее необходимо нанести при помощи карандаша и линейки сетку из квадратов произвольной величины.
Таким же способом расчертите лист плотной бумаги. Работайте легкими штрихами, ведь позже придется стирать все линии. Далее вручную скопируйте все формы, которые вы видите в клетках снимка.
Поэтапно переходите от одной ячейки к другой. Так вы постепенно создадите эскиз будущего рисунка в жанре гиперреализм. Когда работа будет закончена, сотрите все вспомогательные линии, затем приступите к проработке форм.
Начинайте рисовать с самых темных элементов изображения. Отвлекитесь от нацеленности нарисовать именно то, что находится на фотоснимке. Наш мозг порою может обобщать картины. Просто повторяйте все формы и линии, которые видите. Используйте растушевку для смягчения линий и плавного перехода между тонами.
Поработайте над пропорциями. К примеру, лицо или фигура строятся по определенным принципам. Убедитесь, что рисунок выглядит гармонично и красиво. Если на фотографии присутствуют волосы, то рисуйте их отдельными локонами с проработкой теней и бликов. При создании гиперреалистичного рисунка желательно использовать гелевые ручки.
Далее следует нарисовать тени. Делайте это с большой аккуратностью, работайте постепенно. Если что-то не получилось изобразить с первого раза, сотрите и повторите заново. Именно тени делают рисунок реалистичным. Поэтому уделите данному этапу работы больше внимания. Самые темные места можно подчеркнуть специальным угольным карандашом.
Возьмите в руки ластик и подчеркните высветленные места. Ластик – это важный инструмент для редактирования и создания бликов. Делайте все постепенно. По завершении работы растушуйте все четкие линии. Ваш рисунок в жанре гиперреализм готов!
Гиперреализм: научиться рисовать или срисовывать.
Есть такая красивая легенда о двух древнегреческих художниках и их состязании. В древности в Афинах 2 художника поспорили кто напишет самую лучшую картину и будет признан безупречным мастером. Целый год трудились живописцы над своими творениями и результат их работы был представлен на городской площади.
Собралась целая толпа ценителей искусства и просто любопытных, чтобы узнать, чем разрешился поединок и посмотреть на великолепные картины. Первый художник сбросил покрывало со своей картины и восхищённые зрители увидели чашу, наполненную сочными виноградными гроздьями на столе. Как только картина была открыта, птицы слетелись, чтобы склевать нарисованный виноград. Художник был польщён, а зрители замерли в немом восторге.
Так кто же победил, спросите вы. Есть две версии окончания этой истории. В первом случае, победу присудили второму автору, в награду за то, что он смог ввести в заблуждение не только птиц, но даже профессионального художника, а это показатель величайшего мастерства. Но мне больше нравится вторая версия.
Никто не смог взять на себя смелость выбрать победителя, так как безусловный талант и мастерство продемонстрировали оба художника. Так и остались оба шедевра стоять на площади, поражая жителей города своей правдой жизни, красотой и великолепием. Через некоторое время первый художник всё же решил узнать мнение местных жителей о своём полотне. Горожане ответили: “Конечно, изображение прекрасно, но ведь это всего лишь копия живого натюрморта. Настоящий виноград можно съесть, чтобы утолить голод или изготовить из него вино, а картина, не несущая никакого смысла и просто копирующая жизнь, в этом случае, бесполезна”.
Как видите, уже несколько столетий назад гиперреализм существовал, мастерство художника в копировании окружающего мира было бесспорным. Так почему же интерес к этому стилю так силён в наши дни и почему профессиональные художники ругают гиперреализм и в целом скептически относятся к рисункам и картинам, выполненным в этом ключе? Для начала постараемся объективно взглянуть на ситуацию и понять, чем так привлекательны и одновременно отталкивающи такие работы. Всё просто: в древности мастерство художника оценивалось именно способностью передавать в рисунке изображение близко к натуре (чем больше похоже, тем лучше). Примеров масса: это и тщательно выписанные блики на фруктах в росписях древнегреческих Помпеи и Геркуланума, и досконально отрисованные складки одежды, покрывающие тела героев картины у художников Раннего Возрождения, и передача ярких вспышек солнечных бликов, придающих больше объёма изображаемым формам в картинах Караваджо и его школы и блеск каменьев, прозрачность кружев и сияние парчи в портретах Ван Дейка. Но ни один гиперреалистический эксперимент не выглядит таким живым, непосредственным и реалистичным по сравнению с ними. Ощущением мертвечины, искусственности, невыразительности веет от вроде бы до фотографической точности уделанных картин современных художников.
Получается, дело не просто в слепом копировании фотографии, а в нечто большем: в умении подчеркнуть главное, усилить акценты, изменить что-то во имя чего-то. Затем копировать фотографию, если она уже сама по себе законченное произведение? Не на много ли интереснее передать характер модели, её индивидуальные особенности, найти необычный ракурс и фактуры для её изображения, добавить или убавить немного формы, обострить силуэт, удлинить или сузить пропорции, передать своё отношение к изображаемому. Это именно и будет реализмом, вашей правдой как художника, а не просто документальным свидетельством изображаемого.